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钢琴专业毕业论文题目:探索钢琴演奏技巧对音乐表达的影响

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摘要:

本研究旨在探讨钢琴演奏技巧对音乐表达的影响。通过对钢琴演奏技巧的深入研究,探究演奏者如何通过技巧的运用,发挥音乐作品的内在意境和情感表达,进一步提升音乐的艺术性和感染力。

引言:

钢琴作为一种具有丰富表现力的乐器,演奏技巧是钢琴家必备的基本素养。演奏技巧不仅仅是为了技术的完美表达,更是为了更好地将音乐表达到听众心中。本研究旨在探讨钢琴演奏技巧对音乐的感染力和艺术性的影响。

方法:

本研究采用实证研究方法,通过文献综述和实地调查相结合的方式,对钢琴演奏技巧与音乐表达之间的关系进行深入研究。研究对象将包括专业钢琴演奏家和学生,以及钢琴演奏技巧的具体应用和影响。

结果:

通过实地调查和研究分析,我们发现钢琴演奏技巧对音乐表达起着重要的作用。技巧的灵活运用可以使音乐作品更加丰满、生动,同时也能够准确地表达作曲家的意图。不同的演奏技巧对音乐表达的效果也会产生不同的影响,钢琴演奏家需要在演奏中选择适合的技巧,以达到最佳的音乐表达效果。

本研究认为钢琴演奏技巧对音乐表达具有重要的影响。钢琴家在演奏中必须熟练掌握各种技巧,并灵活运用,以使音乐表达更加饱满和感染力。钢琴专业学生在学习过程中应注重技巧的培养,同时也要加强对音乐本质的理解和感悟,以更好地将音乐作品表达到观众心中。

展望:

尽管本研究对钢琴演奏技巧对音乐表达的影响进行了初步探索,但仍有许多未知的领域需要进一步研究。未来的研究可以更加深入地剖析不同音乐作品对技巧的需求,以及技巧如何影响音乐表达的细微差别。研究还可以结合心理学和神经科学等学科,探讨技巧对听众的感受和情感产生的影响。

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钢琴专业毕业论文题目

选题是音乐学 毕业 论文的基础环节,在一定程度上决定着音乐毕业论文的质量。下面是我带来的关于音乐学毕业论文题目的内容,欢迎阅读参考!音乐学毕业论文题目(一) 1. 浅谈初中 音乐欣赏 教育 中审美能力的培养2. 音乐教育与素质教育的关系研究3. 浅谈音乐教育中的欣赏教学4. 浅谈音乐教育中创造能力的培养5. 如何开发学生在音乐实践活动中创新能力6. 浅议音乐教学中的课堂语言美7. 让民族音乐之花在学生心中开放8. 音乐表演中的美学原则9. 音乐创作中的灵感与审美10. 深化中小学音乐教育改革之我见11. 中小学音乐课的意境教育探索12. 浅谈少儿钢琴教学13. 谈音乐记忆能力的训练与培养14. 唐代燕乐繁荣之原因15. 早期音乐教育与 儿童 思维发展16. 论美育中的音乐教育17. 我国戏曲音乐的发展18. 如何搞活音乐课堂提高教学质量19. 论音乐与情感20. 试论歌曲演唱的二度创作音乐学毕业论文题目(二) 1. 谈乐曲的节奏美2. 浅谈合唱训练3. 谈合唱指挥的教学原则4. 论怎样提高中学音乐教师的钢琴即兴能力5. 如何提高学生的钢琴演奏的表现力6. 舞蹈教育与素质教育7. 试论舞蹈中人体动作的造型性8. 谈声乐教学中的呼吸训练9. 论呼吸在歌唱发声的运用10. 声乐学习理论与实践的结合11. 浅谈美声唱法12. 浅谈声乐作品的二度创作13. 论歌唱中的咬字吐字14. 多媒体技术与音乐教学15. 西洋唱法与民族唱法16. 歌唱与情感17. 声乐教学中真假声结合的混合声训练18. 谈普通学校音乐教育学的研究范围19. 音乐教育学的研究对象及研究 方法 20. 心理学与儿童音乐教育21. 音乐才能的形成、结构、测试22. 美声唱法的学派与风格23. 歌唱的呼吸与发声音乐学毕业论文题目(三) 1. 歌唱的共鸣与语言2. 论儿童发展与音乐学习3. 儿童音乐趣味的培养4. 儿童歌唱技能的培养5. 儿童表演技能与音乐运动觉能力的培养6. 歌唱心理状态的重要性7. 浅谈合唱指挥对歌词主题思想的研究8. 歌词声韵的研究9. 歌词形式特点的研究10. 科学的发声状态在歌唱中的作用11. 关于声乐作品的艺术表现12. 真声位置在歌唱中的运用13. 歌唱的吐字与发声14. 哈欠状态在歌唱中的运用15. 混合声在歌唱中的运用16. 歌唱语言中字音之间的衔接17. 歌唱中气息的控制与功能的发挥18. 母音在歌唱练习中的运用19. 混合共鸣在不同声区中的运用20. 生活语言与歌唱语言21. 歌唱语言的艺术特征22. 歌唱的艺术表现对声乐作品的再创作23. 歌唱的艺术中声与情的关系24. 儿童的早期音乐创作能力的开发25. 儿童音感训练的时践与方法26. 儿童的绝对音感的训练方法27. 歌唱与声音控制猜你喜欢:1. 音乐学毕业论文 2. 音乐学毕业论文范文 3. 音乐学毕业论文获奖范文 4. 音乐系毕业论文参考 5. 本科音乐专业毕业论文选题

钢琴毕业论文题目

1. 试论莫扎特《g 小调弦乐五重奏》第一乐章中对中提琴地位与作用的提升

2. 优雅的男高音——论大提琴在乐队中的作用

3. 大提琴演奏中国民族音乐的几点探索

4. 大提琴演奏发音问题探讨

5. 论二胡演奏的内心感觉与艺术修养的提高

6. 古筝演奏与心理音色

7. 浅谈想像力与心理调控力在小提琴演奏中的作用

8. 长笛演奏的基本技巧分析与实践

9. 关于借鉴西方作品分析法分析传统古琴曲的几点思考

10. 小议视唱练耳在乐器演奏中的重要性

11. 谈儿童学习乐器演奏的意义

12. 探析铜管乐器演奏的音准问题

13. 浅谈中小学铜管乐队的训练

14. 如何组织开展中小学小乐队的活动

15. (某器乐)演奏中的准确读谱与正确理解

16. 论(某器乐)作品的音乐风格与演奏

17. (某器乐)演奏右手技术问题之我见

18. 如何处理好(某器乐)教学中音乐表现与弹奏技术的关系

19. 浅谈(某器乐)考试、比赛前的心理的准备

20. 《二泉映月》的创作分析与演奏实践

21. 中国民族器乐的历史与现状之研究

22. 论杨琴演奏的思维

23. 浅析关于(某器乐)演奏的发音问题

24. 如何演奏好《莫扎特C大调长笛与竖琴协奏曲》K299

25. 小提琴的左手技巧

26. 浅析现代杨琴的演奏技巧及表现力

27. 简述萨克斯的气息

28. 浅谈琵琶演奏与教学心得

29. 论扬琴演奏中手臂运动与力度控制

30. 少年儿童古筝考级教学浅谈

31. 长笛演奏中的呼吸气息运用

32. 浅析二胡曲《洪湖人民的心愿》

33. 女子十二乐坊现象分析 钢琴

1. 怎样提高钢琴伴奏的演奏水平

2. 论钢琴演奏情和理的统一

3. 临场演奏中的心理因素

4. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力

5. 论钢琴演奏艺术中的想像力

6. 浅谈钢琴演奏的基本技巧

7. 浅谈中国风格钢琴作品的演奏

8. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系

9. 试论钢琴表演艺术中的二度创作与实践

10. 论钢琴教育的教学原则与方法

11. 论钢琴教师的职业素养

12. 即兴伴奏与音乐表现

13. 论钢琴演奏中音乐表现与弹奏技术的关系

14. 论钢琴踏板的重要性及运用

15. 试论儿童钢琴教学的特殊性

16. 论钢琴教学中弱指的训练

17. 论钢琴演奏中的放松问题

18. 论巴赫钢琴作品的演奏风格

19. 论钢琴的指法艺术

20. 对钢琴演奏心理问题的研究 声乐

1. 当前适应中小学音乐新课程的高师声乐教学改革刍论

2. 民族声乐演唱中字正腔圆探究

3. 舒伯特艺术歌曲的演唱风格

4. 透过声乐套曲《冬之旅》浅谈舒伯特艺术歌曲的演唱

5. 演唱中国作品的发声与吐字

6. 歌唱心理素质在演唱中的影响

7. 花腔技巧在古典歌剧演唱中的运用与表现

8. 论赵元任声乐作品的民族性与演唱表达

9. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达

10. 试论多媒体在声乐教学中的运用

11. 释析巴罗克(古典/浪漫)时期声乐作品的风格特征

12. 试论声乐教育的评价体系

13. 怎样运用歌声传达情感

14. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲

15. 歌唱艺术中的情感体验与表现

16. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求

17. 中国古代声乐美学发展初探

18. 童声训练的原则与方法

19. 高师音乐专业声乐课改革之我见

20. 声乐教学中应注意民族问题

21. 歌唱心理调控在人声训练中的作用

22. 民族声乐歌唱方法探析

23. 通俗演唱方法探析 舞蹈

1. 浅谈舞蹈教学中表演意识的培养和训练

2. 论舞蹈的教育功能

3. 浅谈音乐与舞蹈的关系

4. 文化对舞者的重要性——浅谈舞蹈理论对舞蹈实践的指导作用

5. 儿童舞蹈教学中的寓教于乐原则

6. 舞蹈对幼儿成长的作用

7. 论舞蹈教育与素质教育

8. 中小学音乐舞蹈教育的现状及创新发展探讨

9. 论普及性舞蹈教育在中小学教育中的重要性

10. 论节奏在民间舞课堂教学中的重要性

11. 加强高师民间舞教学中“民俗”的渗透

12. 论中小学舞蹈教育

13. 浅谈中小学舞蹈课程设置

14. 浅谈幼儿师范学校的舞蹈教学

15. 谈儿童舞蹈教学的制作

16. 浅谈中国民间舞的表演

17. “鼓”在民间舞中的运用和发展

18. “道具”在中国民间舞教学与创作中的运用和发展

19. 论舞蹈作品与社会生活

20. 浅谈舞蹈表演形式的创新

21. 浅析现代舞动作的发展

22. 浅谈中国古典舞对戏曲舞蹈的借鉴

23. 新时期大学生校园舞蹈教育的思考

24. 浅谈中等师范学校的民间舞教学

25. 浅谈地域文化对中国民间舞蹈文化的影响 音乐教育

1. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育

2. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考

3. 浅议对高师音乐教育专业基础课程教学改革的思考

4. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用

5. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究

6. 音乐新课程标准下的高师音乐教育专业学生的职业素质培养

7. 合唱在中小学素质教育中的作用

8. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养

9. 论中学音乐课堂教学方法的多样性

10. 美育与音乐教育

11. 试论童声合唱的训练方法

12. 音乐新课标下的课堂教学方法研究

13. 中小学音乐教育与合唱活动

14. 高师音乐教育专业如何体现师范性的要求 作品分析

1. 析理查·施特劳斯交响诗《唐·吉诃德》中的引子的主题内涵

2. 浅析普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲——Scherzo》的写作特征

3. 浅析莫扎特钢琴作品的和声曲式结构特征

4. 现代音乐作品中的情感因素

5. 对某某作曲技法的分析

6. 简述车尔尼练习曲

7. 论肖邦夜曲

8. 肖邦第一叙事曲解析 其他

1. 关于现代大众审美的思考

2. 浅论音乐音调与基本情绪运动状态的关系

3. 胶片上流淌着的音乐篇章——有关电影音乐的综述

4. “文化融合”视野下的探戈音乐

5. 17世纪古式风格与新式风格

6. 试论前古典时期的情感风格对古典主义音乐的影响

关于钢琴的论文可以写哪方面

音乐理论与常识外国音乐的主要流派西欧音乐在古希腊时曾一度兴盛,但到中世纪,音乐被教会和封建统治阶级所垄断,成为他们宣传宗教、麻痹人民、巩固封建统治的工具,专业作品大多是教堂用的圣咏曲。到十六、十七世纪随着资本主义的兴起,器乐曲、歌剧相继出现,音乐才开始进入剧场,转向市民。到十八世纪,音乐逐渐摆脱宗教的束缚,作曲家受文艺复兴思想的影响,作品逐渐着重人性的体现和人民生活的反映,创作技法也日趋丰富和精深,遂开始西欧古典音乐黄金时代。随着资本主义工业的发达,乐器也逐步改进和完善,广大群众成为演出的对象,加上资产阶级革命思想的影响,音乐艺术获得很大发展。从十八世纪到二十世纪的短短二、三百年间,对世界音乐具有深远影响的大音乐家辈出,闻名世界的优秀的音乐作品(名著)也大量产生。在创作思想和音乐风格的先后变化方面,则形成不同的流派。主要有古典乐派"(十八世纪),浪漫乐派(十九世纪),民族乐派(十九世纪下半叶),和二十世纪起至今的现代乐派(包括十九、二十世纪之交的印象乐派与二十世纪的表现主义、原始主义、新古典主义、十二音体系、序列音乐、具体育乐等形形色色的流派)。历史上著名的音乐家基本上分属于各个不同的流派,但也有兼具不同流派的特点或先后进行不伺流派音乐的创作的。即便是同属于一个流派的作曲家,他们的作品也是各有其民族特点和个人音乐风格特色的。(一)古典乐派出现于十八世纪初到十九世纪二十年代。主要作曲家有亨德尔、巴赫、海顿、莫扎特、贝多芬及歌剧作曲家格鲁格等人。他们受资产阶级启蒙运动和资产阶级革命思想的影响,其音乐创作力图摆脱教会和封建宫廷的束缚,倾向自由、民主和人造主义。作品着重体现新兴的市民阶层的精神面貌。创作方法讲究乐曲的结构严谨、形式完美、昔响和谐与逻辑严密。曲风大都淳朴、严肃、稳重,崇尚理性,而对情感的表现较含蓄内在,器乐曲多是无标题音乐。赋格曲、奏鸣曲式、交响曲、室内乐以及歌剧等体裁和曲式均于此时期奠定了完美的基础。其中巴赫主要进行复调音乐写作;亨德尔用主调与复调;海顿、莫扎特与贝多芬则着重主调音乐的写作,其中贝多芬更着重主观激情的表现,重视器乐的标题性,他是古典乐派向浪漫乐派发展的先驱。海顿、莫扎特与贝多芬被称为"维也纳古典乐派"。(二)浪漫乐派“浪漫”(Romance)二字是译音,它源于中古时期描写神话、英雄与美人的文艺作品。十八世纪德国文学常以此为题材。到十八世纪未法国资产阶级革命失败,封建君主复辟,音乐家对现实不满,又找不到明确的出路,精神苦闷,于是在文学的影响下,十九世纪的作曲家也走向浪漫主义。作品倾向于以古代传说和神话、幻想故事为题材,或着重于生活现象的描绘、个人生活感受的细致体现。音乐着重感情的抒发和心理的刻划,而不象古典主义着重理性。他们认为文艺有共性,廊以提倡诗歌、戏剧与音乐的结合和音乐的标题性,注重音乐中的诗情画意,而对曲式结构则较灵活。浪漫乐派音乐家们,根据内容表现的需要创造了很多秤体裁形式,如:无言歌、夜曲、叙事曲、小品套曲,音乐会序曲、交响诗、抒情歌曲、声乐套曲等。他们在创作手法方面则重视民族、民间音调的运用,音乐节奏比之古典主义更加复杂而细致,和声手法更加丰富,管弦乐队的编制及配器法到柏辽兹、瓦格纳手中更加发展。浪漫主义乐派的代表人物,前期有舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦和歌剧作曲家韦伯、罗西尼、威尔第等人;同时期和中期的作曲家有柏辽兹、李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等人,俄国的柴可夫斯基也属浪漫乐派;在近、现代(十九世纪末一二十世纪)的现代乐派中,还有马勒、理查施特劳斯、拉赫玛尼诺夫等人,他们可以说是浪漫乐派的最后几个代表人物。浪漫乐派著名的作曲家还有去诺、比才、约翰施特劳斯、圣-桑等人。(三)民族乐派十九世纪中叶,东欧、北欧和俄罗斯作曲家在吸取西欧浪漫主义音乐创作经验的着重民族音乐的建立和发展。他们努力创作既具有本国民族音乐特色,又能表现本民族的性格、愿望和生活的音乐作品。这些民族乐派的作曲家主要有俄罗斯的格林卡与,“强力集团”(以发展俄罗斯民族音乐为主旨的作曲家集团,包括有:巴技基列夫、居伊、鲍罗丁、里姆斯基一柯萨科夫、穆索尔斯基等五人)及捷克的斯美塔那、德沃夏克;挪威的格里格5芬兰的西贝柳斯等。波兰的肖邦和匈牙利的李斯特则兼属浪漫乐派与民族乐派。(四)现代乐派“现代乐派”这个名称是十九世纪未到现在的音乐艺术的各种流派的总称。其中除了仍有继承古典--浪漫音乐传统进行创作(包括“社会主义现实主义”)的作曲家外,专业创作出现许多反浪漫主义的新流派。“xx主义”、“xx音乐”,名目繁多,总的趋向是从多调性走向无调性,以至否定乐音和音阶,只用自然音响,完全脱离古典的美学传统。如果将它们按出现和流派的先后分类,可以分为历史的三个时期。现将各时期的主要流派和各流派的代表作曲家罗列如下,以便了解二十世纪欧美音乐概况:1.从十九世纪末一第一次世界大战前后(可称"近代音乐"时期)(1)晚期浪漫主义。主要作家有:理查施特劳斯(德)、马勒(奥)、拉赫玛尼诺夫(俄)。(2)印象主义(主张用音乐描绘从外界得来的瞬息印象,重视和声色彩)。主要作家有:德彪西(法)、拉威尔(法)、杜卡(法)、雷斯庇基(意)。(3)表现主义(主张用音乐表现人们内心的下意识冲动或欲望、幻觉、梦魇等)。主要作家有:勋伯格(奥)、贝尔格(奥)、威勃恩(奥)、巴尔托克(匈),斯克里亚宾(俄)。(勋伯格与威勃恩又是无调性音乐的创始人,他们与贝尔格被称为"新维也纳乐派")。2.从第一次世界大战--第二次世界大战(可称"新音乐"时期)(1)原始主义(重视民间音乐,追求原始性的神秘色彩和野蛮风格,而和声则是现 代的)。主要作家有:巴尔托克(匈)、斯特拉文斯基(俄)。(2)新即物主义(强调“音乐即音乐”,,可以用音乐表现客观事物,但反对用音乐表现主观思想的感情)。主要作家有:米约(法)、兴德米特(德)。(3)新古典主义(反对着重感情表现的浪漫主义,主张回到右典主义,着重音乐自身的形式美,乐曲结构简朴、内容清晰,和声与复调很新颖,音乐富于客观性)。主要作家有:斯特拉文斯基(俄)、兴德米特(德)。(4)六人团(法国青年革新派、反印象主义和反浪漫主义)。作家有:萨蒂(法)、奥涅格(法)、米约(法)、弗朗克(法)、奥里克(法)、泰勒费(法)。(5)十二音主义(又名“十二音体系”,十二个音同等重要。无所谓“调式”、“调性”和“主音”,十二个音任意先后排列,但不得重复。再次出现时,有严格的顺序原则。其和声用音也依此序列原则,无所谓"三和弦")。作家有:勋伯格(奥)、贝尔格(奥)。(6)社会主义现实主义(基本继承古典音乐传统而加创新,主张用音乐反映社会主义)。主要作家有:普罗耳菲耶夫(苏)、肖斯塔科维奇(苏)。3.从第二次世界大战结束至今(“先锋派音乐”)(1)序列音乐(序列主义,除十二个音序列化外,,乐曲的节奏力度等也序列化)。主要作家有:梅西安(法)、布列(法)、诺诺(意),施托克豪森(德)、斯特拉文斯基(俄)。(2)偶然音乐(“不确定音乐”、“机会音乐”)。主要作曲家有:约翰凯奇(美)、布朗(美)、施托克豪森(德)。(3)具体音乐(初期的电子音乐)。主要作家有:谢飞尔(法)、布列兹(美)、贝里奥(意)。(4)电子音乐。主要作家有:艾默特(德),施托克豪森(德),瓦列斯(美)、约翰-凯奇(美)。(5)磁带音乐。作家有:贝里奥(意)。(6)图谱音乐(反序列主义)。(7)电子计算机音乐。主要作家有:希勒(美)、布列兹(美)、施托克豪森(德)。音乐小常识,不能不知道1、什么是音乐? 这是一个见仁见智的问题,说法很多。笔者认为音乐是一种声音艺术而非视觉或其它什么感觉的艺术。把乐音(有时也适当使用噪音)按一定的规律组织起来,使人听之产生美感,这种艺术就叫音乐。2、 什么叫噪音?什么叫乐音? 声带、琴弦、木头板、马达等物体振动时会发出声波,声波通过空气传播进入我们的耳朵,就使我们听到了声音。声音有噪音和乐音之分:振动无规律的声音,如木头板声、马达声等,叫噪音;振动有规律,如人声带发出的歌声,由琴弦发出的琴音等,叫乐音。音乐中所用的音主要是乐音。3、什么叫音高? 乐音听起来有的高,有的低,这就叫音高。音高是由发音物体振动频率的高低决定的,频率高声音就高,频率低声音就低。比如女人唱歌时声带振动频率高,男人唱歌时声带振动频率低,所以男声比女声低。4、音乐中所用的乐音范围有多大? 音乐中所用乐音的范围从每秒种振动16次的最低音到每秒钟振动4186次的最高音,大约97个。现代最大的钢琴可以奏出其中的88个音,是乐音范围最大的乐器。人唱歌时因受生理限制,所能唱出的乐音仅是乐音范围中的一小部份。5、什么叫音名?什么叫唱名? 不同音高的乐音,是用C D E F G A G 来表示的,这七个拉丁字母就是乐音的音名,它们一般依次唱成DO RE MI FA SOL LA SI,即唱成简谱的1 2 3 4 5 6 7 ,相当于汉字“多来米发梭拉西”的读音。DO、RE、MI .......是唱曲时乐音的发音,所以叫唱名。6、什么叫音列?音列是如何分组的? 把上面所说的90几个高低不同的乐音按顺序排列起来,构成一个序列,这个序列就叫音列。音名只有七个,而音列中的音却大大超过这个数量,如何把音名相同而音高不同的音区别开来呢?方法就是分组。人们把音列中的音划分成几个组。把音列中处在中央位置的一组(即钢琴、电子琴等键盘乐器中由中央C开始,向上的七个音)叫小字一组,把比小字一组高一倍、高两倍、高三倍的音分别叫小字二组、小字三组、小字四组。乐音中当然有比小字一组低的音,它们的分组是:比小字一组低一倍的叫小字组,低两倍的叫大字组,低三倍的叫大字一组,低四倍的叫大字二组。这样一来,音列中的分组由低到高的顺序是:大字二组 大字一组 大字组 小字组 小字一组 小字二组 小字三组 小字四组乐音的范围音乐术语叫做音域。人声的音域大约是:女声由小字组的f到小字二组的a,男声由大字组的F到小组一组的a。你的音域有多宽呢?有机会时无妨在钢琴上试一试。从你能唱出来的最低的那个音起,到最高的那个音止,这个范围就是你的音域。7、 哪一个音是标准音? 国际上规定小字一组的a音每秒振动440次,这个音就是标准音。由于音列的各音之间都存在着一定的数量关系,例如比某一音高一倍的音(又叫高一个八度),其频率一定比某音高一倍,比它低一倍的音(又叫低一个八度),其频率一定比某音低一倍,所以规定了标准音的音高,也就等于规定了其它各音的音高。有了这个标准,人们在制造乐器时,在奏乐、唱歌时,定音就有了根据。8、什么叫全音?什么叫半音? 把C D E F G A B 这一组音的距离分成十二个等分,每一个等分叫一个“半音”。两个音之间的距离有两个“半音”的 ,就叫“全音” 。在钢琴、电子琴等键盘乐器上,C-D,D-E,F-G,G-A,A-B,两音之间隔着一个黑键,它们之间的距离就是全音;E-F,B-C,两音之间没有黑键相隔,它们之间的距离就是半音。9、什么叫自然音?什么叫变化音? 通俗地说,我们唱歌的时候,那些唱成1 2 3 4 5 6 7 的音,叫自然音;那些在它们的左上角加上#号(如#4、#1)或者b号(如b7、b3)的,叫变化音。#叫升记号,表示把音在原来的基础上升高半音;b叫降记号,表示把音在原来的基础上降低半音。10、什么叫音阶? 把C、D、E、F、G、A、B 等各音中的某一个音作为中心,由它开始由低至高(或由高到低)按顺序排列起来,这个音的序列由于象梯子一样,逐级向上或向下,所以叫音阶。下面的两个序列都是音阶,前者是大音阶,后者是自然小音阶:c d e f g a b c a b c d e f g a11、什么叫记谱法? 一首曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说,古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代,卫灵公手下的音乐师叫师涓的,就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载,我国隋唐时期就产生了工尺谱、减字谱(古琴用),宋代又又产生了俗字谱。工尺谱几经沿变,至今仍有民间艺人使用。不过近、现代在我国使用比较普遍的是简谱和五线谱,尤其以使用简谱的人最多。从世界范围来看,使用最普遍的是五线谱。12、什么是简谱? 简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法,读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来,将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐,在欧洲几乎从未普及过。1882年前后,美国人梅森到日本讲学时把它传入日本,19世纪曾有一度在日本学校通用过,不过后来他们也不用了。清朝末年,简谱通过留日学生传入我国。1904年,沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版,曾风行一时,从此简谱便在我国普及开来。笔者认为,简谱作为一种大众化的记录方法,在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限,而且现在世界上绝大多数国家又都不用它,我们应当创造条件推广、普及五线谱,以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。13、什么是五线谱? 五线谱是世界上使用最广泛的记谱法,在目前的记谱法中,五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低,用空心(或实心)椭圆或在它一侧加竖线(有的还在竖线的一端加“尾巴”)的图形作音符,表示音的长短(实例请见本站登载的曲谱)具有立体感,便于记录多声部音乐。它17世纪末正式传入我国,在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中,对它有详细介绍,可见传入我国之久。1930年,音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来,出版了“梅兰芳歌曲谱”,该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。 有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难,而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱,已经习惯于简谱那一套,现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱,小学、中学音乐教科书也一律如此,平常所见的谱都是五线的,旷日持久,就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴(学钢琴就非用五线谱不可了),由浅到深,由简到繁,读谱练琴齐头并进,所以不少孩子年纪虽小,视读线谱的能力却比许多成年人强得多。什么道理?熟能生巧嘛!14、什么是小夜曲? 文章有各种体裁,如记叙文、议论文、诗歌、散文等,都是文章的体裁。音乐也有各种体裁,如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡......都是音乐的体裁。 小夜曲是音乐体裁的一种,是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学,流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初,小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱,倾诉爱情,旋律优美、委婉、缠绵,常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展,其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲,都在世界上流传甚广。15、什么叫波尔卡? “波尔卡”这个标题不是起概括和提示音乐内容的作用,而是表明它的体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间,曾经风行全欧,西洋不少著名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子,节奏活泼、欢快。16、什么叫玛祖卡? 也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰,也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子,而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍,而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》,多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈,演奏时需掌握这个特点。17、什么叫小步舞曲? “浅易琴谱”里已登了两首由巴赫作曲的小步舞曲,其实巴赫写这种体裁的作品并不止两首,而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。 小步舞曲起源于欧洲的宫庭,曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲,速度缓慢,从容典雅,颇具贵族的风格。18、什么叫圆舞曲? 圆舞曲又名华尔滋,也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上,十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为著名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同,它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明,旋律流畅,不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确,音乐不是数理,不是逻辑,这种区别只是就一般情况而言,并非是绝对的。不知是不是你需要的资料呢 你自己也在“文发网”或者(59168)上找相关的资料 祝你顺利

音乐学毕业论文选题

关于毕业论文选题,一般学校是会分配题目到院里,再由院里分给各个导师,导师再分给学生:也有直接院里的题目分给导师再到学生。这样的弊端会有些耽误时间,特别出现有些不负责任的导师就会很烦恼。当然自主选题也是可以的。有想法的学生有可能在很久之前就已经想好题目,早早进行筹备中了。但是大部分学生还是要由导师分配题目。下面是一些音乐类的毕业论文题目,一起来看看。1. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达2. 试论多媒体在声乐教学中的运用3. 释析巴罗克(古典/浪漫)时期声乐作品的风格特征4. 试论声乐教育的评价体系5. 怎样运用歌声传达情感6. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲7. 歌唱艺术中的情感体验与表现8. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求9. 中国古代声乐没血发展初探10. 童声训练的原则与方法11. 声乐教学中应注意名族问题12. 歌唱心理调控在人声训练中的作用13. 民族声乐歌唱方法探析14. 美誉与音乐教育15. 试论童声合唱的训练方法16. 音乐新课标下的课堂教学方法研究17. 中小学音乐教育与合唱活动18. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育论19. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考20. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用21. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究22. 合唱在中小学素质教育中的作用23. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养24. 论中学音乐课堂教学方法的多样性25. 析理查.斯特劳斯交响诗《唐.吉坷德》中的引子的主题内涵26. 论赵元任声乐作品的民族性鱼延长表达音乐类毕业论文选题的相关内容,希望对大家有所帮助,想要了解更多内容,欢迎关注本平台!

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